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Japon : Issey Miyake a changé notre façon de voir, de porter et de fabriquer la mode

Tout au long de sa carrière, le créateur de mode japonais Issey Miyake, décédé d’un cancer à 84 ans, a rejeté des termes comme « mode ».

Mais son travail a permis à une grande partie du monde de se réinventer à travers les vêtements.

Né à Hiroshima en 1938, Miyake étudie le graphisme à Tokyo où il est influencé par le sculpteur américano-japonais Isamu Noguchi et la photographie en noir et blanc d’ Irving Penn .

Dès que les restrictions d’après-guerre interdisant aux ressortissants japonais de voyager à l’étranger ont été levées, il s’est dirigé vers Paris, où il est arrivé en 1964.

Là, le jeune créateur fait son apprentissage pour les éminentes maisons de haute couture Guy Laroche et Hubert de Givenchy . Ces maisons fabriquaient des vêtements coûteux conformes aux normes d’étiquette en vigueur. Miyake devait aller bien au-delà.

Miyake était là pour la révolte étudiante parisienne de 1968 et a été galvanisé par le tremblement de terre de la jeunesse ébranlant toutes les règles de la société.

Le concept de prêt-à-porter d’un couturier avait été lancé quelques années plus tôt quand Yves Saint Laurent créa Saint Laurent Rive Gauche fin 1966.

Le système de la mode changeait et Miyake a relevé le défi.

Révolution de la mode japonaise

Miyake est arrivé à Paris peu de temps après que les vêtements « Jungle Jap » de Kenzo aient fait sensation, avec leurs couleurs vives et leurs motifs inattendus inspirés en partie des traditions artistiques japonaises.

La révolution japonaise de la mode commençait.

Des créateurs japonais tels que Rei Kawakubo pour Comme des Garçons, Yohji Yamamoto et Issey – tous nés dans les années 30 et 40 – se sont fait connaître dans les années 70 et ont défilé à Paris.

Tous ont remis en question les visions eurocentriques de la mode et de la beauté. Les designers japonais ont inversé l’accent occidental sur la symétrie et la propreté et ont adopté des aspects des systèmes esthétiques japonais, tels que l’utilisation par Yamamoto du noir avec des couleurs telles que le rouge, le violet, la cerise, le marron et le bleu foncé.

Miyake a tenu son premier défilé à New York en 1971 et à Paris en 1973. Il a intégré la technologie à la tradition, explorant l’esthétique japonaise et le vêtement non coupé et non ajusté. Il a également commandé des textiles de haute technologie qui ont influencé la mode dans le monde entier.

La série BODY de Miyake comprenait les célèbres bustiers en plastique, rotin et résine dans lesquels le corps féminin était réimaginé comme une sorte d’armure.

En février 1982, l’importante revue Artforum photographie un bustier Miyake en couverture .

C’était la première fois qu’une revue d’art contemporain présentait la mode.

Couvrant le corps

Tout au long de sa carrière, Miyake a complètement réinventé le potentiel des textiles.

En collaboration avec sa directrice textile Makiko Minagawa et des usines textiles japonaises, il a commencé à créer les célèbres collections Pleats : en utilisant des textiles en polyester traités thermiquement qui ne sont pas plissés avant la couture (la pratique habituelle), mais fabriqués beaucoup plus grands, puis plissés dans des machines.

La collection Rhythm Pleats de 1989 a été inspirée par l’artiste français Henri Rousseau : Miyake a pris des éléments de la palette de couleurs et des étranges coquilles sculpturales entourant les femmes dans ces peintures, un bon exemple de la façon dont ses influences ont toujours été abstraites et suggestives.

Sa collection très commerciale Pleats Please est lancée en 1993.

La collection A-POC (A Piece of Cloth) (en collaboration avec Dai Fujiwara, 1998) a révolutionné le design vestimentaire et préfiguré les inquiétudes autour de la non-durabilité de la mode et du gaspillage qui en découle. Les vêtements étaient tricotés en trois dimensions dans un tube continu en utilisant la technologie de tricotage informatisée dans son ensemble et à partir d’un seul fil.

Le vêtement est venu dans un cylindre et a ensuite été découpé par le porteur – il n’y a pas eu de déchets, car les sections restantes sont devenues des mitaines, par exemple.

Miyake et les hommes

La collection pneumatique de Miyake en 1991 comprenait des pantalons knickerbocker pour hommes avec des vessies en plastique et des pailles – les hommes pouvaient gonfler ou dégonfler les vêtements à leur guise.

C’était l’époque de la crise du sida et de l’amaigrissement qui l’accompagnait. Calvin Klein avait répondu avec des sous-vêtements hyper-masculins et une publicité hyper-masculine. Miyake, d’autre part, a testé l’air du temps en suggérant que nous utilisions des vêtements pour adapter notre corps et notre apparence à nos besoins.

Ayant moi-même porté ses vêtements pendant un certain temps, je peux témoigner de la libération qu’ils procurent. Les vestes ne sont pas doublées et épousent le corps de manière inattendue. Les manches peuvent être fabriquées de manière à créer une forme de pagode sur votre bras et à ajouter du dynamisme au corps.

La palette de couleurs est extraordinaire et si différente d’un régime de lainages ou de tweeds sensibles.

Le tissage jacquard généré par ordinateur crée des motifs subtils uniquement enregistrés en regardant de plus près. Les textiles ont une tactilité inattendue près de la peau. Certains vêtements sont fournis littéralement roulés en boule. Ils ne pèsent pratiquement rien, ce qui signifie qu’ils libèrent le voyageur. Une fois déroulées et posées sur le corps, elles reprennent vie.

Il y a un réel sentiment que vous, le porteur, animez ces choses sans vie : s’habiller est une performance et les vêtements génèrent une réalité à la fois théâtrale et pratique. Bien que largement portés (il y a un cliché que tous les galeristes vivaient autrefois à Miyake), les gens restent intrigués par eux, voulant les toucher pour eux-mêmes.

Lors de la rétrospective Issey Miyake à Tokyo en 2016, j’ai vu Miyake et je voulais vraiment aller le voir et le remercier d’avoir transformé le potentiel de la mode pour les femmes et les hommes à travers le monde, sa possibilité matérielle et sa possibilité imaginative.

J’aimerais beaucoup l’en remercier maintenant.

Pierre Mc Neil

Professeur émérite d’histoire du design, UTS, Université de technologie de Sydney

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